Trois questions à Emmanuel Biard, scénographe des performances de Aisha Devi, No Plexus et Evian Christ

Un scénographe est un professionnel qui conçoit et organise l'espace scénique pour les performances et installations artistiques. Cela inclut la création de l'environnement visuel et spatial où se déroulent les événements, en tenant compte de l'interaction entre le public, les artistes, et les œuvres exposées. Le scénographe collabore souvent avec les artistes et les techniciens pour élaborer des concepts qui mettent en valeur l'expérience immersive et audiovisuelle, en intégrant des éléments comme l'éclairage, la projection vidéo, et les structures physiques.

Cette année, MUTEK accueille trois performances dont Biard a signé la conception scénique : No Plexus (Nocturne 2 à la SAT), Aïsha Devi (Nocturne 6 à la SAT) et Evian Christ (Metropolis 1 au MTELUS).

Comment en es-tu venu à exercer ce métier et en quoi consiste-t-il ?

Emmanuel Biard: C'est une chose étrange à laquelle je suis arrivé de bien des façons. Je n'avais jamais vraiment su ce sur quoi je travaillais d'un point de vue formel. J'ai étudié les arts visuels et le design graphique, travaillant avec des groupes locaux et des boîtes de nuit à Manchester, alors que j'étais encore adolescent, sans aucune connaissance de la scénographie en tant que forme d'art distincte. De ce fait, ma pratique a évolué de manière totalement autodidacte, en dialogue avec les scènes musicales et les artistes qui m'entouraient.

Ma famille est très musicale, mais je manquais de patience et de dextérité pour maîtriser les instruments acoustiques, et ma voix chantée était et est toujours discutable. Mes parents, dans la tradition des troubadours de la chanson française, chantaient et se produisaient dans des bars et restaurants en duo, et l'enchantement m'a frappé. Je n'avais aucun intérêt pour la vue depuis la scène, je voulais voir la magie se tisser du côté du public, au-delà de la "barrière de foule".

La performance live a été toute mon initiation à la musique, par opposition à la forme enregistrée, que je n'ai découverte que dans mon adolescence. J'ai toujours eu un sens aigu des signifiants visuels et une sensibilité au contexte, donc lorsque l'appel est venu de rejoindre le cirque de la musique live, c'est ce que j'avais à offrir en réponse.

Les scénographies sont, pour certaines performances ou festivals, un des éléments signatures. Tu es un artiste avec un profil plutôt discret dans la sphère publique. Est-ce un choix personnel ou un oubli systémique de l’industrie ?

C'est une question compliquée pour moi, probablement plus que pour d'autres, mais je vais essayer de mettre en mots ce qui est, en essence, un sentiment plus qu'une pensée.

Au début de ce qui est maintenant devenu la « performance AV », il est devenu courant que les artistes visuels (moi et mes pairs) soient nommés aux côtés des musiciens dans la formulation (X+Y live AV). J'ai trouvé ce format encombré et maladroit.

Considérez la puissance de "DOOM" par rapport à : "DOOM de John Romero". La suspicion de narcissisme dilue le message.

Dans les spectacles que je conçois, je considère tous les aspects non sonores de la présentation, depuis la logistique précise de la tournée jusqu'au marketing et tout ce qui se trouve entre les deux, comme faisant partie de l'expérience pour le jeune moi de 17 ans à l'époque, des lumières qui s'éteignent au début, à l'image persistante alors que le plafond revient, annoncée par les lumières de la salle.

Pour l'observateur solitaire imaginaire qui découvre l'hyperobjet divin de l'expérience Live, peut-être pour la première fois, il me semblait important de permettre l'illusion que l'Être sur scène est un Demi-Dieu, et non simplement un singe dressé à être perçu comme tel. La magie de la présence apparaît lorsque l'intégralité de l'expérience qui l'entoure est le produit d'un seul point focal : toute la cathédrale est concentrée à travers le corps et le visage du prêtre. C'est une alchimie impressionnante qui n'est pas nécessairement mieux servie par le fait que le fabricant de vitraux se bat pour une reconnaissance égale.

Je vois mon rôle comme celui d'un costumier ou d'un armurier médiéval. Mon travail est conçu pour aider mes champions à se sentir protégés d'une scène qui peut à tout moment se révéler être un échafaud. Pour qu'ils soient vus plutôt que perçus, permettant au regard du public de passer à travers eux vers le grand arrière-plan, sans que cette flèche ne s'arrête à la limite de leur corps.

Malheureusement, alors que l'industrie de la musique a changé avec l'effondrement de la musique enregistrée en tant que produit principal, la performance Live retrouvant sa position centrale et essentielle, et les médias sociaux prenant le contrôle du monde ; avec le "Top 8" de Myspace muté pour devenir la pierre angulaire de l'identité postmoderne - nous sommes tous les enfants d'Andy Warhol maintenant. L'incitation à partager sincèrement le profil et le crédit a diminué, et le besoin de survie d'accumuler des disciples dans le système pyramidal de soi-même est devenu un fait inattaquable. J'ai été l'un des premiers à refuser cet aspect émergent de notre culture hyperliée. Je n'ai jamais insisté pour prendre le crédit, attendant plutôt qu'il soit donné là où c'était approprié. Je m'attendais à ce que les personnes qui avaient besoin de savoir qui j'étais le découvrent tandis que ceux qui ne le savaient pas pouvaient simplement profiter du spectacle.

Ainsi, c'est à la fois : un choix personnel fait quand j'étais jeune et qu'il y avait peu de valeur au-delà de l'expérience elle-même, et une négligence de l'industrie alors que je vieillissais, où l'auto-accréditation est devenue la norme. J'ai accepté tardivement que je devais me rendre visible si mon travail dans son ensemble devait être compris dans son contexte.

Pour que la réticence ne devienne pas un regret, on peut maintenant me trouver }en §prit{ sur Instagram à @alllowercasealloneword

Peux-tu partager quelques expériences, bonnes ou mauvaises, qui illustrent bien ton métier ?

Il y en a trop. Aussi banal que cela puisse paraître, une vie dans la musique live est une bénédiction et une malédiction sisyphéennes. Le travail est éphémère par nature et l'atelier est liminal en réalité. Nous essayons sans cesse de frapper le Soleil et finissons par nous écraser de plein fouet contre la Lune. Le perfectionnisme et le doute sont des compagnons constants, l'effondrement et la reconstruction existent simultanément. Que la performance soit aussi minutieusement scriptée qu'une pièce de théâtre ou aussi vaguement thématique qu'un set de DJ de 5 heures, c'est un processus cyclique d'effondrement et de reconstruction.

Mais j'ai entrevu des moments de sens dans ce travail si profonds qu'ils ne cesseront jamais d'être un honneur - ces moments ont toujours été les plus clairs et les plus lumineux lorsque j'ai développé une compréhension personnelle de mes collaborateurs, quand je parviens à créer une armure qui s'ajuste parfaitement et que le spectacle cesse d'être sur la Scène ou à la régie mais se révèle dans l'espace entre nous. Et on peut le sentir. C'est quelque chose de réel. Quand nous faisons les choses correctement, il n'y a rien de plus immatériellement réel dans ce monde matériel.

De mon premier design de tournée « Archimède » pour Daedelus à ma dernière création pour mon partenaire plus44Kaligula, tout a été passion et magie : Noir -et- Blanc.

Rejoignez-nous cette semaine pour découvrir le travail de Emmanuel Biard.

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